Danko Jones "Rock and Roll is black and blue" (2012)

Y aquí está de nuevo. Danko Jones vuelve a facturar un disco de Rock and Roll básico al que nos tiene acostumbrados manteniéndose fiel a sus principios. Si algo funciona ¿Por qué cambiarlo? (imagino se repetirá).

¿Alguna sorpresa? No sé, quizás "Just a beautiful day" o "I belive in god", esta última por el tipo de mensaje espiritual (con intro incluida) pero por lo demás todo se mantiene en la línea de sus últimos trabajos.

Cuando uno escucha este album se pregunta por qué este tipo de disco no encabeza directamente los charts mainstream pues la obra de Danko Jones se codea cada vez con más facilidad con bandas como Green Day, a los que recuerdan en algún tema o con Lenny Kravitz a los que recuerdan en algún otro.

En definitiva; si eres fan de la banda no te vas a sentir defraudado (sobre todo con canciones como "Legs"), si no lo eres, podrás disfrutar de un buen disco de Rock mientras conduces por la autopista, sin embargo, si eres de los que esperas que los músicos te sorprendan en cada disco con algún tipo de riesgo artístico o estilístico probablemente este album pase desapercibido para ti o acabe escondido en alguna estantería o carpeta de tu ordenador.

El solo de guitarra de la canción "Ghost dance" de Racer X

En esta nueva ocasión mi artículo no se centrará, como es costumbre, en un análisis crítico de un album concreto. Tampoco versará sobre una canción que por un motivo o por otro pueda resultar relevante destacar en este modesto Blog.

No, en esta ocasión quiero hablar de un solo de guitarra que emerge en el minuto 2:50, aproximadamente, del tema de Racer X "Ghost dance" y que podemos localizar en el album "Getting heavier" de 2002, lamentablemente el último de la formación.

Descubrí a la banda justamente con este disco. Había escuchado hablar de ella en algún momento en no se qué revista, así que, decidido, me dispuse escuchar el album.

No tardé en disfrutar de la música que salía de mi estéreo mientras se iban sucediendo los temas, aunque en ningún momento pensara que se convertiría en uno de mis albunes de cabecera. Tampoco Racer X iba a ser a partir de ese momento uno de mis grupos favoritos, aunque esa aparente neutralidad empezó a cambiar de lleno cuando le llegó el turno al tema 10 del disco, un potente medio tiempo con pesado riff que rompía el ritmo habitual de los temas y que, un poco más tarde, arrojaría el solo que supuso la amalgama de emociones que justifica que a partir de ese momento me vea obligado escucharlo un par de veces de manera periódica o que ha hecho que acabe figurando en este nuevo artículo de Rock Rename Machine.

Una escala en progresión sirvió de entradilla a un acorde en acople que se antojaba interminable y que jugaba con mi paciencia mientras me preguntaba cuándo éste habría de acabar. Era como si el músico hubiera de arrepentirse en el último momento de la idea de sucesiones de notas que hubiera planificado hacer y todo quedara en un rítmico suspenso mientras intentaba atrapar las musas que revoloteaban alrededor de su instrumento. Poco después, como si no hubiera aún conseguido la suficiente inspiración, prolongaba el extraño ritual cambiando de traste y jugando con los sonidos que desprendía la guitarra para sintonizar posteriormente una melodía emotiva que parecía viajar desde el cielo hasta que un juego de virtuosismo provocara que un espíritu llegase de nuevo a  tocar el suelo firme y se regocijara en su amplitud.

Ávido y emocionado con la experiencia no tarde en buscar de qué guitarrista se trataba. Paul Gilbert. ¡vaya! ese nombre si me sonaba más.

Y a ti, ¿te gusta más Bon Jovi o Europe?

 

Corría el año 1987 y la cuestión que precede al artículo y que ha sido utilizada como título debió ser una de las preguntas más formuladas en España durante todo el año.  

Europe lanzaba a mediados de 1986 el album "The final countdown". Era la tercera obra de los atractivos jóvenes suecos que directamente los encumbró al mainstream musical. 

Por su parte, los américanos Bon Jovi, dirigidos por el ora pícaro ora romántico Jon Bon Jovi publicaban en verano de 1986 su, también obra cumbre; "Slippery when wet" de salvaje y sexista carátula que no tardó en ser censurada. 

Los paralelismos entre las dos bandas eran evidentes. Evidentes en la forma aunque no en el modo. Ambas utilizaban unos teclados muy presentes en las melodías, unos estribillos que te atrapaban a la primera escucha y las dos se movían en lo que se tendió a llamar "heavy", aunque aquello realmente tuviera más que ver de manera retrospectiva, con un hard rock que coqueteaba con el pop más radiofónico. 

Preocupándonos del sonido ninguno de estos albunes se quedó atrás; los americanos contaron con el famoso Bruce Fairbairn (ACDC, Poison, Aerosmith...) y los suecos con Kevin Elson (Journey, Mr. Big...). Europe, quizás por la belleza de Joey Tempest era más identificado con el público femenino y el aspecto macarra de los miembros de Bon Jovi con el masculino por lo que en según qué sectores no era bueno declararse fan acérrimo de canciones como la bella "Carrie". 

No hay duda que con el paso de los años ambos discos han acabado siendo unas joyas, no sólo del género sino de la música en general, aunque compositivamente es probable que el de Bon Jovi resulte mejor construído. 

La trayectoria de ambas bandas no sólo no siguió el desarrollo que en aquella época se preveía sino que en algunos aspectos fluyeron en sentido contrario al esperado, siendo en la actualidad Europe la que factura discos de fuerte esencia blues y Bon Jovi la que aprovecha el tirón comercial de sus baladas y medios tiempos pop y reviviendo sólo en los directos los temas de corte más hard rockero.

Finalmente no me queda más que animarte a volver a escuchar cada uno de los albunes y responder a esta difícil pregunta de ¿Y a ti qué banda te gusta más, Bon Jovi o Europe? 

Testament "Dark roots of earth" (2012)

Y como iba diciendo....

No hay duda que Testament son una de las bandas de referencia del Thrash Metal mundial. Estandartes de la Bay area publican su primer larga duración en 1987 ("The legacy") y periódicamente continúan su producción discográfica hasta aproximadamente 1999 ("The Gatering") donde hacen un parón de casi diez años sorprendiéndonos con un regreso en 2008 presentado "The formation of Damnation".

En 2012 lanzan "Dark roots of earth", el caso que nos ocupa.

En este último album, con una estupenda carátula muy en su línea, nos ofrecen un conjunto de temas de Thrash metal de corte clásico, perfectamente ejecutado y con una producción contundente y efectiva, dirigidos a fans del género y, claro está, del sonido más básico y crudo de la banda.

Las canciones, sin embargo,  no ofrecen nada nuevo en su trayectoria y se suceden sin que ofrezcan una identificación clara entre ellas combinando riffs carentes de originalidad con solos vertiginosos y un estupendo trabajo vocal por parte de Chuck.

Bien es cierto que Testament en la actualidad mantienen un estatus de leyenda del género y no les queda nada que demostrar. O sí. Lo que está claro es que han realizado un buen ejercicio de Thrash metal básico pero lamentablemente algo monótono y, hay que reconocer, sin excesivo brillo.

"Supergrupo"

Cada vez que escucho la palabra "Supergrupo" no puedo evitar sentir un gran vacío.

Desde mi punto de vista todos los discos que tengan o hayan tenido un especial significado en tu vida podrían ser atribuidos a un "supergrupo". Pensar que el "Apetite for destruction" no fue realizado por un supergrupo sería un grave error. Tanto así de otros como el "Blood Sugar Sex Magik" o el "Blues for the red sun".

Tampoco nos preguntamos, al menos en un primer momento, cuando un grupo "novel" crea una obra monumental en qué bandas estuvieron sus miembros con anterioridad, qué estilos hacían cada uno de ellos o qué cabría esperar de sus influencias. Simplemente disfrutamos del album.
"Supergrupo" es un apelativo que conlleva una gran responsabilidad y ¡pobre al que se le atribuya tal etiqueta! porque no se les permitirá dar un paso en falso y serán lapidados sin remisión por público y crítica a la menor oportunidad.
Es lamentable ver como, de forma bastante probable, estas bandas no alarguen su carrera más de 2 o 3 albunes con suerte.
El tema aún da más de sí: por lo general estos "Supergrupos" están compuestos por miembros de dos o más bandas, lo cual deriva en que muchos de los fans posiblemente entren en posiciones encontradas. Incluso puede que ya lo estuvieran con anterioridad por causas como que sus estilos o personalidades pudieran resultar claramente incompatibles y en este caso: ¿Cuál de ellas ganará la partida?.
Tendríamos que dejar de usar una clasificación de tal calibre y dejar respirar más la faceta emocional del músico. Establecer una etiqueta o generar unas expectativas que interfieran en su proceso creativo y su realización personal no es productivo ni para él ni para la obra que posteriormente se nos presente.
Fin del "Supergrupo".

Jane's Addiction "The great escape artist" (2011)

La lectura de alguna crítica me había condicionado para retrasar la audición del último album de Jane's Addiction.

He de reconocer que descubrí algo tarde a esta gran banda californiana cuando ya en 1988, fecha de publicación de su primer album ("Nothing shocking"), estaba bastante interesado en cualquier nueva incursión en el mundo del Rock. El diseño de las portadas de sus discos y el de sus camisetas me parecían algo "extraños" y no me animaba a interesarme por ellos. Craso error.
Desde mi primera toma de contacto con los de Farrell y compañía, allá por el año 96, no puedo hacer otra cosa sino alabar tal cúmulo de creatividad declarándome fan acérrimo del grupo. Descubrí cosas muy interesantes en su regreso en 2003 con "Strays", de hecho, "Just because" se convirtió en una de mis canciones favoritas de todos los tiempos.
Algo parecido me ha vuelto a pasar con su último album. "The great escape artist" es maravilloso, inspirador y vital. Coherente en relación a su construcción y conjunto indudablemente pasará a formar parte de mis discos de cabecera.
Creo que sé cuál es el problema de la crítica que haya podido leer antes de disfrutar del album. El mismo problema que se plantean con otros como los R.H.C.P. y es que hay bandas que de alguna manera se marcan a fuego en nuestra piel y crecen con nosotros formando parte de nuestro ser. En estos casos es muy duro ver como nuestros ídolos maduran porque de alguna manera nos recuerdan que nosotros también lo hacemos.

Sidonie "El fluido García" (2011)

Desde que, animado por las revistas especializadas, asistí a mi primer concierto de Sidonie, no he sentido otra cosa que admiración por los barceloneses. Su apuesta inicial era mucho más impactante, agresiva e iba destinada a copar, ¿por qué no?, uno de los puestos más altos del rock internacional. Tras dos albunes de estudio y varios EP's la banda perdió, o mejor, renunció a sus componentes "Shock rock" y cambiaron lo anglosajón de sus letras por nuestro castellano más conciso, persiguiendo la idea, imagino, de centrarse en un campo que prestaba mucho más atención a su propuesta.

"El fluido García" es su última obra. Un album basado en la novela "El anacronópete" (Enrique Gaspar y Rimbau, 1881) de melodías infinitas, letras básicas y grácilmente estructuradas y donde regresan, en clave de magia, fantasía y de forma más sutil a sus orígenes musicales, desmarcándose en cierta medida sus últimas obras.
Queen, Stones o Beatles, Psicodelia, Blues o Pop, aunque ellos realmente son Sidonie y este album es, en mi humilde opinión, uno de los mejores y más completos de su carrera.