Scum of the earth "The Devil made me do it" (2012)

Con tan peculiar nombre se presentaron en 2004 Tempesta y Riggs aprovechando que el amigo Rob Zombie comenzaba sus primeras incursiones en el mundo del celuloide.  Cabe destacar que aún en la actualidad esta actividad le sigue ocupando la mayor parte del tiempo.

La aventura de los músicos, que comenzó siendo una forma evitar el anquilosamiento, se ha prolongado ya a tres albunes siendo este "The devil made me do it" el último de la discografía y donde Mike Riggs se ha convertido en el lider indiscutible haciéndose él mismo cargo de las voces del album que acomete con más que influencias de su citado antiguo compañero (en ocasiones podemos llegar a confundir a uno con el otro).

¿Qué podemos encontrar en "The Devil mad me do it"? Pues aprovechando el tirón musical que tan buen resultado le dió a Rob Zombie, con anterioridad a White Zombie, y reconociendo la ausencia de ambas bandas en la actualidad, Scum of the earth aporta: una estética terrorífica, danzas de muerte llevadas a cabo por atractivas Go-Go's y Rock/Metal sobre ritmos bailables de señalado corte industrial.

El album que perfectamente podía haber sido atribuido a cualquiera de las referencias citadas en el artículo, no hay más que echarle un vistazo a la portada, no podría ser tildado de ninguna manera de original, pero si contiene el atractivo suficiente para hacer pasar un buen rato a los que echan de menos producciones de este estilo.

Tomahawk "Oddfellows" (2013)

He de reconocer que no he conectado demasiado con la carrera paralela de Mike Patton al margen de los celebrados Faith No More y salvo algunos detalles no he prestado demasiada atención a bandas como Mr. Bungle o Fantômas.
En 2013 me encuentro con la última obra de otro de sus múltiples proyectos, el que comparte con Duane Denison - ex componente de Jesus Lizard, hablamos de Tomahawk, y el resultado resulta cautivador.

"Oddfellows"es potente y misterioso. Contiene la irreverencia, en una muy justa medida, de la que Patton gusta hacer alarde en sus típicos fraseados y a modo de colorido arco iris se combina con trepidantes riffs y ritmos que rezuman una coherente originalidad. No es raro encontrar, durante el transcurso de los temas, algún fragmento con guiños de claras referencias a los 90's pero esto lo que hace es recordarnos que la banda está formada por artistas de una reconocida trayectoria musical.

Kiss "Monster" (2012)

Lo sorprendente de bandas como Kiss; es que a estas alturas de "su" película sigan interesados en seguir componiendo  una nueva tanda de canciones sin otra justificación, al menos en primera instancia, salvo la que despierta el simple interés musical.

En este artículo dejaremos atrás la polémica sobre la ausencia de dos de los miembros originales harto conocida en esta nueva andadura porque también fueron temas discutidos en el otros momentos de su pasado.

"Monster" supone una continuación lógica a su aclamado, al menos por la crítica ya que tengo pendiente destripar esta obra en un futuro artículo, "Sonic boom" de 2009.

No esperéis encontrar en este album joyas de la talla de  "Love gun" o  "Crazy nights". Aunque os aseguro que cada uno de los temas, muy cercanos a las composiciones que firmaron durante los 80's, no harán más que recordarnos a la banda en todo momento.

Si nunca te han gustado Kiss no cambiarás de idea con este disco y si te han gustado pues disfrutarás de la envidia que proporciona ver a unos músicos que no tienen nada que demostrar rockeando con más energía de lo que lo hacen muchas de las bandas que copan las listas rockeras en la actualidad.

Immortal "All shall fall" (2008)

El trío nos obsequió, y definitivamente no se trata de un verbo utilizado de manera gratuíta, con un album completamente redondo en 2008 que lamentablemente, al menos por ahora, se convirtió en el último de su discografía. 

"All shall fall" era el 8º disco de una historia que comenzó en 1992 con la obra "Diabolical fullmoon mysticism" en la que tres jóvenes noruegos ahunaban fuerzas para formar parte de las huestes de bandas de Black Metal que asediaron su país.

Bajo los pseudónimos de Abbath Doom Occulta y Demonaz Doom Occulta, se encontraban los principales artífices del proyecto, que junto a Horgh, que regresó a la banda en 2006 después de haber permanecido fuera desde 2003, formaban, y parece ser que siguen formando, el núcleo central del combo.

Immortal son de esas bandas que por lo general, los agnósticos del metal algo extremo, no se atreven ni siquiera a acercarse por lo peculiar y personal de su imagen. Creo que este disco es idóneo para dejar de tenerles miedo, aunque refiriéndonos a este tipo de propuesta esto suene algo contradictorio. 

"All shall fall" está repleto de riffs, metálicos sí, pero memorables y adictivos, además de un estupendo trabajo vocal, gutural claro está, pero con gran cantidad de matices a los que  se suman melodías épicas que parecen surgir de lo más oscuro del averno, o mejor aún, del invierno como ellos prefieren significar su música para escapar un poco de la temática satánica que impregna a todos sus contemporáneos. 

Un gran disco de metal que no puedes dejar de escuchar.

¡Visita la sección de videos!

Danko Jones "Rock and Roll is black and blue" (2012)

Y aquí está de nuevo. Danko Jones vuelve a facturar un disco de Rock and Roll básico al que nos tiene acostumbrados manteniéndose fiel a sus principios. Si algo funciona ¿Por qué cambiarlo? (imagino se repetirá).

¿Alguna sorpresa? No sé, quizás "Just a beautiful day" o "I belive in god", esta última por el tipo de mensaje espiritual (con intro incluida) pero por lo demás todo se mantiene en la línea de sus últimos trabajos.

Cuando uno escucha este album se pregunta por qué este tipo de disco no encabeza directamente los charts mainstream pues la obra de Danko Jones se codea cada vez con más facilidad con bandas como Green Day, a los que recuerdan en algún tema o con Lenny Kravitz a los que recuerdan en algún otro.

En definitiva; si eres fan de la banda no te vas a sentir defraudado (sobre todo con canciones como "Legs"), si no lo eres, podrás disfrutar de un buen disco de Rock mientras conduces por la autopista, sin embargo, si eres de los que esperas que los músicos te sorprendan en cada disco con algún tipo de riesgo artístico o estilístico probablemente este album pase desapercibido para ti o acabe escondido en alguna estantería o carpeta de tu ordenador.

El solo de guitarra de la canción "Ghost dance" de Racer X

En esta nueva ocasión mi artículo no se centrará, como es costumbre, en un análisis crítico de un album concreto. Tampoco versará sobre una canción que por un motivo o por otro pueda resultar relevante destacar en este modesto Blog.

No, en esta ocasión quiero hablar de un solo de guitarra que emerge en el minuto 2:50, aproximadamente, del tema de Racer X "Ghost dance" y que podemos localizar en el album "Getting heavier" de 2002, lamentablemente el último de la formación.

Descubrí a la banda justamente con este disco. Había escuchado hablar de ella en algún momento en no se qué revista, así que, decidido, me dispuse escuchar el album.

No tardé en disfrutar de la música que salía de mi estéreo mientras se iban sucediendo los temas, aunque en ningún momento pensara que se convertiría en uno de mis albunes de cabecera. Tampoco Racer X iba a ser a partir de ese momento uno de mis grupos favoritos, aunque esa aparente neutralidad empezó a cambiar de lleno cuando le llegó el turno al tema 10 del disco, un potente medio tiempo con pesado riff que rompía el ritmo habitual de los temas y que, un poco más tarde, arrojaría el solo que supuso la amalgama de emociones que justifica que a partir de ese momento me vea obligado escucharlo un par de veces de manera periódica o que ha hecho que acabe figurando en este nuevo artículo de Rock Rename Machine.

Una escala en progresión sirvió de entradilla a un acorde en acople que se antojaba interminable y que jugaba con mi paciencia mientras me preguntaba cuándo éste habría de acabar. Era como si el músico hubiera de arrepentirse en el último momento de la idea de sucesiones de notas que hubiera planificado hacer y todo quedara en un rítmico suspenso mientras intentaba atrapar las musas que revoloteaban alrededor de su instrumento. Poco después, como si no hubiera aún conseguido la suficiente inspiración, prolongaba el extraño ritual cambiando de traste y jugando con los sonidos que desprendía la guitarra para sintonizar posteriormente una melodía emotiva que parecía viajar desde el cielo hasta que un juego de virtuosismo provocara que un espíritu llegase de nuevo a  tocar el suelo firme y se regocijara en su amplitud.

Ávido y emocionado con la experiencia no tarde en buscar de qué guitarrista se trataba. Paul Gilbert. ¡vaya! ese nombre si me sonaba más.

Y a ti, ¿te gusta más Bon Jovi o Europe?

 

Corría el año 1987 y la cuestión que precede al artículo y que ha sido utilizada como título debió ser una de las preguntas más formuladas en España durante todo el año.  

Europe lanzaba a mediados de 1986 el album "The final countdown". Era la tercera obra de los atractivos jóvenes suecos que directamente los encumbró al mainstream musical. 

Por su parte, los américanos Bon Jovi, dirigidos por el ora pícaro ora romántico Jon Bon Jovi publicaban en verano de 1986 su, también obra cumbre; "Slippery when wet" de salvaje y sexista carátula que no tardó en ser censurada. 

Los paralelismos entre las dos bandas eran evidentes. Evidentes en la forma aunque no en el modo. Ambas utilizaban unos teclados muy presentes en las melodías, unos estribillos que te atrapaban a la primera escucha y las dos se movían en lo que se tendió a llamar "heavy", aunque aquello realmente tuviera más que ver de manera retrospectiva, con un hard rock que coqueteaba con el pop más radiofónico. 

Preocupándonos del sonido ninguno de estos albunes se quedó atrás; los americanos contaron con el famoso Bruce Fairbairn (ACDC, Poison, Aerosmith...) y los suecos con Kevin Elson (Journey, Mr. Big...). Europe, quizás por la belleza de Joey Tempest era más identificado con el público femenino y el aspecto macarra de los miembros de Bon Jovi con el masculino por lo que en según qué sectores no era bueno declararse fan acérrimo de canciones como la bella "Carrie". 

No hay duda que con el paso de los años ambos discos han acabado siendo unas joyas, no sólo del género sino de la música en general, aunque compositivamente es probable que el de Bon Jovi resulte mejor construído. 

La trayectoria de ambas bandas no sólo no siguió el desarrollo que en aquella época se preveía sino que en algunos aspectos fluyeron en sentido contrario al esperado, siendo en la actualidad Europe la que factura discos de fuerte esencia blues y Bon Jovi la que aprovecha el tirón comercial de sus baladas y medios tiempos pop y reviviendo sólo en los directos los temas de corte más hard rockero.

Finalmente no me queda más que animarte a volver a escuchar cada uno de los albunes y responder a esta difícil pregunta de ¿Y a ti qué banda te gusta más, Bon Jovi o Europe?