Fun Lovin' Criminals "100% colombian" (1998)

Esta mañana me he descubierto volviendo a disfrutar de uno de los mejores albunes que han gestado esta magnífica banda.
Desde que escuchara aquella versión del "Crazy train" de Ozzy Osbourne contenida en su album "Mimosa" de 1999, los Fun' lovin criminals  no han hecho más que dulcificar muchos de los momentos de mi vida. Un año antes de su Mimosa publicaban este disco.
El "100 % colombian" es un album completo, es como un bucle que se cierra sobre sí mismo y que muestra todo el arsenal con el que la banda contaba.

Podría definir con una palabra la obra y es CLASE, sí, clase con mayúsculas, desde la que derrocha su portada, con juegos de sombras en blanco y negro y un logo de la banda en color rojo hasta la música que emana desde cada uno de sus cortes y que nos ofrece una amalgama de estilos como el funk, el disco, el soul, el pop, el hip hop e incluso en ocasiones el punk con calidad y sin, digamos de alguna forma, despeinarse sus engominados y newyorkinos peinados.
Una excelente obra y una buena forma de empezar un fin de semana o de acercarte a esta gran banda si aún no los conoces.

Tracer "El pistolero" (2013)

"El pistolero" es una aventura entretenida, llena de guitarras crudas. Un album que balancea bases Stoner y Hard Rock con una producción cercana a bandas como ACDC o Airbourne.
Haciendo baladí de su juventud el trío no parece demasiado purista a la hora de mantener una línea argumental en el estilo musical del album y esto puede resultar tanto una pega como una ventaja. Los temas pueden cabalgar tras la estela de unos Motorhead controlados o dibujar riffs que recuerdan a las composiciones de QOSTA.
En cualquier caso la obra llama la atención y nos mantiene expectantes a una nueva publicación.

Towers of London "Blood, Sweat and Towers" (2006)

Towers of London, un grupo de jóvenes músicos, en 2005 despegan con una propuesta que significaba una esperanza para el Punk británico de corte más clásico. 

En su album debut, divertido y fresco, podiamos encontrar retales llenos de color y perfectamente hilvanados donde se conjugaban influencias que abarcaban desde Bowie a los Pistols.

Con su ácida y potente actitud en directo se ganaron a pulso el ser considerada una de las bandas más excitantes y emocionantes en directo. 

Lamentablemente, con posterioridad a este album, se perdieron entre insulsas participaciones en ediciones de "Big Brother" o un album con un claro objetivo comercial como supuso su "Fizzy pop" en 2008.

[Ver sección The Great video Killin' machine]

Scott H. Biram "Something's Wrong/lost forever" (2009)

Si hablamos del concepto de "Country-Metal" es muy extraño que artistas como Hank William III o Bob Wayne no se nos vengan a la cabeza.

Cosa similar ocurre con Scott H. Biram, músico curtido en más de mill batallas que desde Texas y tras militar por varias bandas de diversos estilos, más cercanos al Punk, nos ofrece desde el 2000 su particular visión, cruda como pocas, del estilo.

Sus canciones ya han circulado por programas televisivos, series,  y películas norteamericanas, alguna que otra europea, por lo que a muchos no les resulta extraño encontrarlas adornando cualquier escena con reminiscencias a la norteamérica más profunda, a ésa que llaman de raices.

"Something's wrong / lost forever" de 2009 resulta un acercamiento cómodo, divertido en ocasiones y emocionante en otras,  al Country más Outlaw de este lado del Missisipi y si te encuentras por casualidad con este album no dudes en atraparlo vaquero.

Rob Zombie "Venomous Rat Regeneration Vendor" (2013)

A estas alturas y en vísperas del estreno de la próxima película de Rob (The Lords of Salem) no esperaba que estuviera trabajando en un nuevo disco y he sido sorprendido por él presidiendo un stand en una de las pocas tiendas donde puedes encontrar todavía a la venta un artículo como éste.

Primero, he de reconocer que estoy muy satisfecho de que haya superado la broma que supuso el "Hellbilly Deluxe 2" de 2010 que más que la obra de uno de los artistas más prolíferos del punk metal industrial resultaba el trabajo de un grupo de colegas que se reúnen para beberse unas cervezas y de paso grabar un disco. Además, su diseño artístico no hacía más que confirmar esta idea. 

En 2013 nos enfrentamos a "Venomous Rat Regeneraton Vendor", título que se erige sobre un conjunto de canciones que no sólo no defraudarán a los ya conocen la discografía del Señor Zombie, sino que los harán disfrutar de potentes riffs y serie B a raudales destacando la estupenda labor de John 5 a las seis cuerdas.

No puedo no obstante evitar apuntar que al final queda cierto sabor agridulce debido a que todo suena a algo que haya podido escuchar antes.

En definitiva, tenemos de nuevo a Rob Zombie, una de esas estrellas que irradian luz propia y que se han ganado por méritos propios un lugar destacado en uno de esos podios destinados a los mejores de una industria musical llamada Rock.

The Strokes "Comedown machine" (2013)

El grupo de moda en el 2001 con el album "Is this it" algo más tarde se ganó a pulso que no lo era tanto. No es tampoco que yo lo lamentara y me atrevería a decir que tampoco ellos. En 2006 se arrancaron con su obra cumbre hasta la fecha "First Impressions of earth" y tras un parón de 5 años volvieron a editar un album decente pero no a la altura de su regreso. Ahora en 2013 presentan "Comedown machine" que sugiere la perfecta fusión entre los ritmos digitalizados con aroma a los 80's de la aventura en solitario de Julian Casablancas, vocalista de la banda, con el quehacer del resto de los Strokes aludiendo a su trayectoria. El resultado es satisfactorio, puede que algún tema del album pudiera resultar algo insustancial, que otro mire hacia una banda de Rock latino o que ocurra con sus fans incondicionales algo parecido a lo que ocurrió con aquel "algo tenía ese album de diferente para que a mí me gustara" de Muse en 2012.
He de reconocer que The Strokes en este disco recuperan, de manera menos profunda eso sí, parte de la magia que brindó al panorama musical en aquel "First Impressions..." aunque todavía no alcancen aquel estatus que algunos críticos le asignaron en sus inicios de "salvadores del Rock".

Glamour to Kill "musik pour the ratas" (2004)

Me sorprendía en el año 2004 la nueva formación del polifacético músico nacido de la movida madrileña Luis Miguélez. Su trayectoria en formaciones como Alaska y Dinarama, Mcnamara o Fangoria avalaban un nuevo proyecto junto a Antonio Glamour y al que posteriormente se añadiría Juan Tormento.

Una estética coloreadamente gótica era la imagen con la que presentaban una obra llena de punk, pop y gothic rock sobre potentes bases electrónicas. El disco en su conjunto ofrecía frescura y desparpajo fruto de la experiencia de sus componentes en un internacionalizado combinado de letras en inglés, español o francés a partes iguales sin desentonar ni un momento en el conjunto global de "musik pour the ratas".

La banda ubicó su campo de operaciones en Berlín y la idea llegó hasta que en 2010 publicaron, hasta ahora, su última obra "Creatures without soul".

"Clone fashion", sobre la famosa oveja "Dolly" o "Disskontrol" son canciones divertidas, bailables, directas y enérgicas para escuchar con el volumen bien alto.

[Ver sección The Great Video Machine]

Deep Purple "Bananas" (2003)

Durante años permanecí tan lejos de este album como pude. Tal y como nos tenían acostumbrados la banda aportó un conjunto de músicos de gran calidad. Es cierto que se echaba de menos la falta del legendario Ritchie Blackmore o del caballero inglés John Lord (R.I.P) pero los sustitutos; Steve Morse en un lado y Don Airey en el otro no desmerecían de ninguna manera a la formación.

El motivo que me hizo apartarme de la obra durante unos buenos años fue el tan poco acertado título de ¿Bananas?, y es que reconozco que ni siquiera lo hubiera salvado un "Black Bananas" o un "Bananas of steel" con tal diseño de portada. ¿Cómo una banda que había utilizado en el pasado mensajes como: "Burn", "Fireball" o "Machine Head", sin entrar en detalles de cómo éstos influyeron en la historia del Rock, podían vender un nuevo album de Rock con el nombre de "Bananas"?.

Dejando ya de un lado el tan poco glamuroso título y una vez reunida la valentía suficiente para sobreponerme a él, pasé a degustar la verdadera sustancia del disco. Los temas resultaron ser unas joyas de blues rock versátiles, variadas y atractivas.

Un disco entretenido con muy buenos momentos donde Deep Purple plasmaron la buena forma en la que se encontraban en 2003.

Bang Tango "Psycho cafe" (1989)

"Psycho cafe" siempre me ha parecido un album algo extraño de una banda con melódico nombre.

Joe Leste, Kyle Kyle, Mark Knight, Kyle Stevens y Tigg Ketler editaban en 1989 una obra cuyo objetivo parecía más dirigido al propio disfrute personal de los componentes que a intentar aprovechar el tirón de Hard Rock Sleazy que triunfaba en la época. Y no, con esto no quiero decir que los Bang Tango no tuvieran el Sleazy suficiente para compartir cartel cómodamente con bandas como Mötley Crüe o L.A. Guns pero la base de sus temas difería en cierta manera de sus coetáneos aportando frescura y originalidad al panorama y añadiendo una estética que se acercaba más a bandas londinenses que a las de Los Ángeles.

Las líneas de bajo rompían riffs de guitarra netamentes Hard predominando en temas como "Some one like you" o "Breaking up a heart of stone" y canciones como "Attack of life", que abría el album, y que resultaba de riff potente y adictivo, en las estrofas disminuía la cadencia rítmica mientras que en el estribillo se aceleraba con un apresurado fraseado por parte de Leste, cuya voz hay que reconocer, aportaba una demoniaca personalidad a la obra.

"Psycho cafe" terminó siendo un album que los relegó a un éxito underground del que todavía en la actualidad siguen disfrutando de forma que; por un lado encontramos los Bang Tango de Joe Leste y por el otro los Bang Tango Redux donde participan el resto de componentes supliendo las labores del cantante original.

Scum of the earth "The Devil made me do it" (2012)

Con tan peculiar nombre se presentaron en 2004 Tempesta y Riggs aprovechando que el amigo Rob Zombie comenzaba sus primeras incursiones en el mundo del celuloide.  Cabe destacar que aún en la actualidad esta actividad le sigue ocupando la mayor parte del tiempo.

La aventura de los músicos, que comenzó siendo una forma evitar el anquilosamiento, se ha prolongado ya a tres albunes siendo este "The devil made me do it" el último de la discografía y donde Mike Riggs se ha convertido en el lider indiscutible haciéndose él mismo cargo de las voces del album que acomete con más que influencias de su citado antiguo compañero (en ocasiones podemos llegar a confundir a uno con el otro).

¿Qué podemos encontrar en "The Devil mad me do it"? Pues aprovechando el tirón musical que tan buen resultado le dió a Rob Zombie, con anterioridad a White Zombie, y reconociendo la ausencia de ambas bandas en la actualidad, Scum of the earth aporta: una estética terrorífica, danzas de muerte llevadas a cabo por atractivas Go-Go's y Rock/Metal sobre ritmos bailables de señalado corte industrial.

El album que perfectamente podía haber sido atribuido a cualquiera de las referencias citadas en el artículo, no hay más que echarle un vistazo a la portada, no podría ser tildado de ninguna manera de original, pero si contiene el atractivo suficiente para hacer pasar un buen rato a los que echan de menos producciones de este estilo.

Tomahawk "Oddfellows" (2013)

He de reconocer que no he conectado demasiado con la carrera paralela de Mike Patton al margen de los celebrados Faith No More y salvo algunos detalles no he prestado demasiada atención a bandas como Mr. Bungle o Fantômas.
En 2013 me encuentro con la última obra de otro de sus múltiples proyectos, el que comparte con Duane Denison - ex componente de Jesus Lizard, hablamos de Tomahawk, y el resultado resulta cautivador.

"Oddfellows"es potente y misterioso. Contiene la irreverencia, en una muy justa medida, de la que Patton gusta hacer alarde en sus típicos fraseados y a modo de colorido arco iris se combina con trepidantes riffs y ritmos que rezuman una coherente originalidad. No es raro encontrar, durante el transcurso de los temas, algún fragmento con guiños de claras referencias a los 90's pero esto lo que hace es recordarnos que la banda está formada por artistas de una reconocida trayectoria musical.

Kiss "Monster" (2012)

Lo sorprendente de bandas como Kiss; es que a estas alturas de "su" película sigan interesados en seguir componiendo  una nueva tanda de canciones sin otra justificación, al menos en primera instancia, salvo la que despierta el simple interés musical.

En este artículo dejaremos atrás la polémica sobre la ausencia de dos de los miembros originales harto conocida en esta nueva andadura porque también fueron temas discutidos en el otros momentos de su pasado.

"Monster" supone una continuación lógica a su aclamado, al menos por la crítica ya que tengo pendiente destripar esta obra en un futuro artículo, "Sonic boom" de 2009.

No esperéis encontrar en este album joyas de la talla de  "Love gun" o  "Crazy nights". Aunque os aseguro que cada uno de los temas, muy cercanos a las composiciones que firmaron durante los 80's, no harán más que recordarnos a la banda en todo momento.

Si nunca te han gustado Kiss no cambiarás de idea con este disco y si te han gustado pues disfrutarás de la envidia que proporciona ver a unos músicos que no tienen nada que demostrar rockeando con más energía de lo que lo hacen muchas de las bandas que copan las listas rockeras en la actualidad.

Immortal "All shall fall" (2008)

El trío nos obsequió, y definitivamente no se trata de un verbo utilizado de manera gratuíta, con un album completamente redondo en 2008 que lamentablemente, al menos por ahora, se convirtió en el último de su discografía. 

"All shall fall" era el 8º disco de una historia que comenzó en 1992 con la obra "Diabolical fullmoon mysticism" en la que tres jóvenes noruegos ahunaban fuerzas para formar parte de las huestes de bandas de Black Metal que asediaron su país.

Bajo los pseudónimos de Abbath Doom Occulta y Demonaz Doom Occulta, se encontraban los principales artífices del proyecto, que junto a Horgh, que regresó a la banda en 2006 después de haber permanecido fuera desde 2003, formaban, y parece ser que siguen formando, el núcleo central del combo.

Immortal son de esas bandas que por lo general, los agnósticos del metal algo extremo, no se atreven ni siquiera a acercarse por lo peculiar y personal de su imagen. Creo que este disco es idóneo para dejar de tenerles miedo, aunque refiriéndonos a este tipo de propuesta esto suene algo contradictorio. 

"All shall fall" está repleto de riffs, metálicos sí, pero memorables y adictivos, además de un estupendo trabajo vocal, gutural claro está, pero con gran cantidad de matices a los que  se suman melodías épicas que parecen surgir de lo más oscuro del averno, o mejor aún, del invierno como ellos prefieren significar su música para escapar un poco de la temática satánica que impregna a todos sus contemporáneos. 

Un gran disco de metal que no puedes dejar de escuchar.

¡Visita la sección de videos!

Danko Jones "Rock and Roll is black and blue" (2012)

Y aquí está de nuevo. Danko Jones vuelve a facturar un disco de Rock and Roll básico al que nos tiene acostumbrados manteniéndose fiel a sus principios. Si algo funciona ¿Por qué cambiarlo? (imagino se repetirá).

¿Alguna sorpresa? No sé, quizás "Just a beautiful day" o "I belive in god", esta última por el tipo de mensaje espiritual (con intro incluida) pero por lo demás todo se mantiene en la línea de sus últimos trabajos.

Cuando uno escucha este album se pregunta por qué este tipo de disco no encabeza directamente los charts mainstream pues la obra de Danko Jones se codea cada vez con más facilidad con bandas como Green Day, a los que recuerdan en algún tema o con Lenny Kravitz a los que recuerdan en algún otro.

En definitiva; si eres fan de la banda no te vas a sentir defraudado (sobre todo con canciones como "Legs"), si no lo eres, podrás disfrutar de un buen disco de Rock mientras conduces por la autopista, sin embargo, si eres de los que esperas que los músicos te sorprendan en cada disco con algún tipo de riesgo artístico o estilístico probablemente este album pase desapercibido para ti o acabe escondido en alguna estantería o carpeta de tu ordenador.

El solo de guitarra de la canción "Ghost dance" de Racer X

En esta nueva ocasión mi artículo no se centrará, como es costumbre, en un análisis crítico de un album concreto. Tampoco versará sobre una canción que por un motivo o por otro pueda resultar relevante destacar en este modesto Blog.

No, en esta ocasión quiero hablar de un solo de guitarra que emerge en el minuto 2:50, aproximadamente, del tema de Racer X "Ghost dance" y que podemos localizar en el album "Getting heavier" de 2002, lamentablemente el último de la formación.

Descubrí a la banda justamente con este disco. Había escuchado hablar de ella en algún momento en no se qué revista, así que, decidido, me dispuse escuchar el album.

No tardé en disfrutar de la música que salía de mi estéreo mientras se iban sucediendo los temas, aunque en ningún momento pensara que se convertiría en uno de mis albunes de cabecera. Tampoco Racer X iba a ser a partir de ese momento uno de mis grupos favoritos, aunque esa aparente neutralidad empezó a cambiar de lleno cuando le llegó el turno al tema 10 del disco, un potente medio tiempo con pesado riff que rompía el ritmo habitual de los temas y que, un poco más tarde, arrojaría el solo que supuso la amalgama de emociones que justifica que a partir de ese momento me vea obligado escucharlo un par de veces de manera periódica o que ha hecho que acabe figurando en este nuevo artículo de Rock Rename Machine.

Una escala en progresión sirvió de entradilla a un acorde en acople que se antojaba interminable y que jugaba con mi paciencia mientras me preguntaba cuándo éste habría de acabar. Era como si el músico hubiera de arrepentirse en el último momento de la idea de sucesiones de notas que hubiera planificado hacer y todo quedara en un rítmico suspenso mientras intentaba atrapar las musas que revoloteaban alrededor de su instrumento. Poco después, como si no hubiera aún conseguido la suficiente inspiración, prolongaba el extraño ritual cambiando de traste y jugando con los sonidos que desprendía la guitarra para sintonizar posteriormente una melodía emotiva que parecía viajar desde el cielo hasta que un juego de virtuosismo provocara que un espíritu llegase de nuevo a  tocar el suelo firme y se regocijara en su amplitud.

Ávido y emocionado con la experiencia no tarde en buscar de qué guitarrista se trataba. Paul Gilbert. ¡vaya! ese nombre si me sonaba más.

Y a ti, ¿te gusta más Bon Jovi o Europe?

 

Corría el año 1987 y la cuestión que precede al artículo y que ha sido utilizada como título debió ser una de las preguntas más formuladas en España durante todo el año.  

Europe lanzaba a mediados de 1986 el album "The final countdown". Era la tercera obra de los atractivos jóvenes suecos que directamente los encumbró al mainstream musical. 

Por su parte, los américanos Bon Jovi, dirigidos por el ora pícaro ora romántico Jon Bon Jovi publicaban en verano de 1986 su, también obra cumbre; "Slippery when wet" de salvaje y sexista carátula que no tardó en ser censurada. 

Los paralelismos entre las dos bandas eran evidentes. Evidentes en la forma aunque no en el modo. Ambas utilizaban unos teclados muy presentes en las melodías, unos estribillos que te atrapaban a la primera escucha y las dos se movían en lo que se tendió a llamar "heavy", aunque aquello realmente tuviera más que ver de manera retrospectiva, con un hard rock que coqueteaba con el pop más radiofónico. 

Preocupándonos del sonido ninguno de estos albunes se quedó atrás; los americanos contaron con el famoso Bruce Fairbairn (ACDC, Poison, Aerosmith...) y los suecos con Kevin Elson (Journey, Mr. Big...). Europe, quizás por la belleza de Joey Tempest era más identificado con el público femenino y el aspecto macarra de los miembros de Bon Jovi con el masculino por lo que en según qué sectores no era bueno declararse fan acérrimo de canciones como la bella "Carrie". 

No hay duda que con el paso de los años ambos discos han acabado siendo unas joyas, no sólo del género sino de la música en general, aunque compositivamente es probable que el de Bon Jovi resulte mejor construído. 

La trayectoria de ambas bandas no sólo no siguió el desarrollo que en aquella época se preveía sino que en algunos aspectos fluyeron en sentido contrario al esperado, siendo en la actualidad Europe la que factura discos de fuerte esencia blues y Bon Jovi la que aprovecha el tirón comercial de sus baladas y medios tiempos pop y reviviendo sólo en los directos los temas de corte más hard rockero.

Finalmente no me queda más que animarte a volver a escuchar cada uno de los albunes y responder a esta difícil pregunta de ¿Y a ti qué banda te gusta más, Bon Jovi o Europe? 

Testament "Dark roots of earth" (2012)

Y como iba diciendo....

No hay duda que Testament son una de las bandas de referencia del Thrash Metal mundial. Estandartes de la Bay area publican su primer larga duración en 1987 ("The legacy") y periódicamente continúan su producción discográfica hasta aproximadamente 1999 ("The Gatering") donde hacen un parón de casi diez años sorprendiéndonos con un regreso en 2008 presentado "The formation of Damnation".

En 2012 lanzan "Dark roots of earth", el caso que nos ocupa.

En este último album, con una estupenda carátula muy en su línea, nos ofrecen un conjunto de temas de Thrash metal de corte clásico, perfectamente ejecutado y con una producción contundente y efectiva, dirigidos a fans del género y, claro está, del sonido más básico y crudo de la banda.

Las canciones, sin embargo,  no ofrecen nada nuevo en su trayectoria y se suceden sin que ofrezcan una identificación clara entre ellas combinando riffs carentes de originalidad con solos vertiginosos y un estupendo trabajo vocal por parte de Chuck.

Bien es cierto que Testament en la actualidad mantienen un estatus de leyenda del género y no les queda nada que demostrar. O sí. Lo que está claro es que han realizado un buen ejercicio de Thrash metal básico pero lamentablemente algo monótono y, hay que reconocer, sin excesivo brillo.

"Supergrupo"

Cada vez que escucho la palabra "Supergrupo" no puedo evitar sentir un gran vacío.

Desde mi punto de vista todos los discos que tengan o hayan tenido un especial significado en tu vida podrían ser atribuidos a un "supergrupo". Pensar que el "Apetite for destruction" no fue realizado por un supergrupo sería un grave error. Tanto así de otros como el "Blood Sugar Sex Magik" o el "Blues for the red sun".

Tampoco nos preguntamos, al menos en un primer momento, cuando un grupo "novel" crea una obra monumental en qué bandas estuvieron sus miembros con anterioridad, qué estilos hacían cada uno de ellos o qué cabría esperar de sus influencias. Simplemente disfrutamos del album.
"Supergrupo" es un apelativo que conlleva una gran responsabilidad y ¡pobre al que se le atribuya tal etiqueta! porque no se les permitirá dar un paso en falso y serán lapidados sin remisión por público y crítica a la menor oportunidad.
Es lamentable ver como, de forma bastante probable, estas bandas no alarguen su carrera más de 2 o 3 albunes con suerte.
El tema aún da más de sí: por lo general estos "Supergrupos" están compuestos por miembros de dos o más bandas, lo cual deriva en que muchos de los fans posiblemente entren en posiciones encontradas. Incluso puede que ya lo estuvieran con anterioridad por causas como que sus estilos o personalidades pudieran resultar claramente incompatibles y en este caso: ¿Cuál de ellas ganará la partida?.
Tendríamos que dejar de usar una clasificación de tal calibre y dejar respirar más la faceta emocional del músico. Establecer una etiqueta o generar unas expectativas que interfieran en su proceso creativo y su realización personal no es productivo ni para él ni para la obra que posteriormente se nos presente.
Fin del "Supergrupo".

Jane's Addiction "The great escape artist" (2011)

La lectura de alguna crítica me había condicionado para retrasar la audición del último album de Jane's Addiction.

He de reconocer que descubrí algo tarde a esta gran banda californiana cuando ya en 1988, fecha de publicación de su primer album ("Nothing shocking"), estaba bastante interesado en cualquier nueva incursión en el mundo del Rock. El diseño de las portadas de sus discos y el de sus camisetas me parecían algo "extraños" y no me animaba a interesarme por ellos. Craso error.
Desde mi primera toma de contacto con los de Farrell y compañía, allá por el año 96, no puedo hacer otra cosa sino alabar tal cúmulo de creatividad declarándome fan acérrimo del grupo. Descubrí cosas muy interesantes en su regreso en 2003 con "Strays", de hecho, "Just because" se convirtió en una de mis canciones favoritas de todos los tiempos.
Algo parecido me ha vuelto a pasar con su último album. "The great escape artist" es maravilloso, inspirador y vital. Coherente en relación a su construcción y conjunto indudablemente pasará a formar parte de mis discos de cabecera.
Creo que sé cuál es el problema de la crítica que haya podido leer antes de disfrutar del album. El mismo problema que se plantean con otros como los R.H.C.P. y es que hay bandas que de alguna manera se marcan a fuego en nuestra piel y crecen con nosotros formando parte de nuestro ser. En estos casos es muy duro ver como nuestros ídolos maduran porque de alguna manera nos recuerdan que nosotros también lo hacemos.

Sidonie "El fluido García" (2011)

Desde que, animado por las revistas especializadas, asistí a mi primer concierto de Sidonie, no he sentido otra cosa que admiración por los barceloneses. Su apuesta inicial era mucho más impactante, agresiva e iba destinada a copar, ¿por qué no?, uno de los puestos más altos del rock internacional. Tras dos albunes de estudio y varios EP's la banda perdió, o mejor, renunció a sus componentes "Shock rock" y cambiaron lo anglosajón de sus letras por nuestro castellano más conciso, persiguiendo la idea, imagino, de centrarse en un campo que prestaba mucho más atención a su propuesta.

"El fluido García" es su última obra. Un album basado en la novela "El anacronópete" (Enrique Gaspar y Rimbau, 1881) de melodías infinitas, letras básicas y grácilmente estructuradas y donde regresan, en clave de magia, fantasía y de forma más sutil a sus orígenes musicales, desmarcándose en cierta medida sus últimas obras.
Queen, Stones o Beatles, Psicodelia, Blues o Pop, aunque ellos realmente son Sidonie y este album es, en mi humilde opinión, uno de los mejores y más completos de su carrera.